Axe Spațiale, expoziție personală Nicolae Moldovan

Joi 14 iulie 2022, ora 18.00, la Galeria Galateea Contemporary Art din Calea Victoriei 132, are loc deschiderea expoziției de ceramică Axe Spațiale, a artistului Nicolae Moldovan. La vernisaj ne vom bucura de prezentarea criticului de artă Doina Mândru. Expoziția va rămîne deschisă publicului până în data de 14 august.
 
Minimală (la Galateea, 2012), Îngemănată (la Mogoșoaia, în 2014), neutru enunțată Forma (din nou Galateea, 2015), Imaculată (la Senso, în 2016), Esențializată (la Galeria Helios, Timișoara, 2022), în fine, redusă la Axa spațială, FORMA derivând din prototipuri arhaice rămâne obsesia definitorie pentru cercetarea artistică pe care o desfășoară de peste un deceniu, cu aplicată metodă, sculptorul ceramist Nicolae Moldovan. „Simplificarea formei până la esență“ pentru a „transmite forța energiilor, a tensiunilor și monumentalității încorporate“ (mărturia artistului) l-au condus pe ceramist dinspre obiectul minimalist, mixaj bizar între arhaic și industrial impostat autoritar ca masă organic rotunjită, spre axa –coloană mlădiindu-și cele trei segmente, ultimul colorat, într-un corp multiplicat, poziționat cu suplețea adierii vegetale a unui pâlc fabulos de papyrus Cyperus.
 

Linia este o forță care preia mișcarea de la energia celui care a trasat-o, spunea cu un secol în urmă Henry van de Velde pledând pentru frumusețea formelor raționale în arhitectură – acelea esențializate – de la care a pornit și Moldovan. Imaginea pâlcului de axe-tulpină suplu arcuind în spațiul galeriei îți poate aminti de trunchiurile de lumină incandescentă din pădurea fauvist colorată de Mihai Țopescu, ori de gracilii Altoi din sticlă mată ai Adrianei Popescu, dar aceasta este doar spre a-ți lămuri că miza Axelor este sensibil alta. Aici, ceramistul valorizează cu brio efectul de șoc magic al spațialității sui generis instaurate prin dialogul formelor organic articulate, multiplicate în sensul naturii dar stilizate cu acea evidentă distanțare postmodernă care este marca ceramistului.                       
 

În preajma Axelor- coloană, vag unduite de suflarea secretă a străvechiului Nil, mă simt transpusă în pragul misterului, ca-n umbra templelor egiptene cu coloane înflorind a lotuși, adăpost și promisiune  pentru suprema și veșnica puritate. Este o pasionantă apropiere de Natură și viu pe care ceramica lui Moldovan o parcurge intuitiv, tot prin intermediul arhetipalului - ascuns în straturile profunde ale imaginarului inconștient - de unde se anunță, în creația sa, o nouă etapă, noi orizonturi.  
 Doina Mândru, critic și istoric de artă      

Nicolae MOLDOVAN (n. 1970, București), a absolvit în 1998 cursurile Universității de Arte din București, secția ceramică. Din 2014 este membru al Uniunii Artiștilor Plastici din România și din 2015 membru al Academiei Internaționale de Ceramică de la Geneva. În 1996 a beneficiat de bursa Mac Constantinescu iar în 2012 a primit premiul pentru Ceramică la Bienala de Arte Decorative din România.
  
Galateea Contemporary Art
Calea Victoriei 132, Bucureşti | Bucharest
www.galateeagallery.com/
office@galateeagallery.com
Tel: +40745355941
Program galerie  | Opening hours
Luni, Miercuri, Vineri: 4pm - 8pm & Marti, Joi: 12pm - 4pm
Mon, Wed, Fri: 4pm - 8pm & Tue, Thu: 12pm - 4pm
Facebook/Instagram: Galateea Contemporary Art

Strata Gallery: Paul Barbu Solo Show

Atunci când ne gândim la o acumulare de obiecte, căutăm intuitiv o relație fluidă între părți, pe baza unui model de frecvențe relative. Punerea în scenă a unei acumulări de obiecte nu constituie un spațiu productiv, cât mai degrabă o „practică spațială”, pentru care avem nevoie de imaginație. 

Prin “In the room with dead acoustics, ritual is a matter of fuzzy logic,” Paul Ștefan Barbu își elaborează obiectele după manualul de referință al unui asamblaj. Obiecte găsite și resturi. Un amestec de lucruri existente într-un exces de materiale încurcate de antiteza lor formală. Barbu își deconstruiește propria mitologie a unui univers post-Dota, care înglobează geneza unei lumi guvernate de ființe, creaturi și zeități, în modele tridimensionale, aranjate în sisteme spațiale specifice. Ochiul ne este angajat într-o lume a particularităților, care cer atenție, ca niște veritabile puzzle-uri vizuale. Barbu împrumută asamblajelor prezență, animând dimensiunea socială a materialului. Pe măsură ce își pierd funcția, istoria și definiția, materialele folosite dobândesc o nouă conduită. Nu există consens în reprezentare. Deși, în aparență, dau impresia de lizibilitate, asamblajele par pline de viață imposibilă. Ori viața imposibilă poate trăi doar într-un spațiu imposibil.

Expoziția este o structură deschisă, care absoarbe timpul în spațiul narativ prin privirea spectatorului. Se creează o relație fluidă de opțiuni și probabilități, agitate de câmpul de experiență proprii fiecărui spectator/observator.

Curator, Simona Abagiu

“Lucrările mele explorează o manieră cinematografică de a raportare la sculptură și la spațiu, fără implicații narative. Aranjamentele arhitecturale / filmice și juxtapunerea obiectelor aleatoriu-găsite care compun expoziția creează o experiență secvențială. Compoziția este un eveniment în timp, o configurație închegată temporar de relația dintre părți. Privitorului i se solicită disponibilitatea la o percepție dinamică, liberă a se modifica prin apropierea de obiecte și explorarea lor. Cred că sculpturile mele sunt multidimensionale, în sensul că fiecare unghi oferă o perspectivă diferită.”

Expoziția poate fi vizitată între 15 Iulie și 13 August.

Paul Barbu
Paul Barbu trăiește și lucrează la Londra. Cu o înclinație către soluții arhitecturale, construiește narațiuni în care domină tensiunea dintre formă, proporție, lumină și structură, urmărind o estetică funcțională a spațiului.

A studiat arhitectura la Ion Mincu, sculptura la UNArte și arte vizuale (MFA) la Universitatea Kingston din Londra.
 
“Practica mea este una interdisciplinară. Sunt fascinat de materialitate și de metodele din spatele fiecărui aspect al creației și de aceea procesul este elementul cel mai important al muncii mele. Chiar dacă am un fundal solid în arhitectură, mă opun întregii idei de concepție-execuție. Mă simt mult mai aproape de modul în care Robert Rauschenberg și-a descris metoda, ca fiind o simbioză între artist, materiale și starea de transă în care lucrează artistul. Simțul improvizației este foarte important pentru mine - în momentul în care simt că toate piesele și-au găsit locul, mă opresc și observ dacă lucrarea este pe deplin formată. Această intuiție mă împiedică să mă întorc și să intervin asupra lucrărilor odată definitivate. Încerc să mă apropii de procesele de gândire așa cum existau ele înainte ca ideea să fie pe deplin formată.”
 
Expoziții (o selecție): One Grain @ Artworks Gallery, 2019, Cambridge (UK); Which work from whom @Stanley Picker Gallery, 2019, Londra (UK); Absolutely elsewhere; absolutely right here @ Kingston University, 2019, Londra (UK); How to grow up in 15 minutes @  ICR Londra, 2019 (UK); Meanwhile @ Kingston University, 2019, London (UK); How can a duck be a publication @ Kingston University, 2018, London (UK).

MARIA PASENAU: The Gender Orchestra / Miercuri, 9 iunie 2021, 19.00 / Prezentare de artist și lansare intervenție artistică

MARIA PASENAU: The Gender Orchestra

Prezentare de artist
Miercuri, 9 iunie 2021 / 19.00
Live pe canalul YouTube al Salonului de proiecte

Intervenție artistică în expoziția EXPO_02_GEN
9 iunie – 4 iulie 2021
Miercuri – Duminică / 15.00 – 19.00

Salonul de proiecte
Palatul Universul, Corp B, Etaj 1, Actor Ion Brezoianu 23–25, București

Maria Pasenau este artista invitată să realizeze ultima intervenție din cadrul expoziției EXPO_02_GEN, pornind de la materiale aflate în Colecția de imagini Mihai Oroveanu. Practica ei include cel mai adesea fotografia într-un cumul de alte medii artistice – text, performance, film – compunând narațiuni profund idiosincratice și contradictorii în care propria subiectivitate, mediul înconjurător și interacțiunile cu persoanele apropiate, sunt constant supuse unor procese de resemnificare. Chiar dacă viața și corpul ei constituie de cele mai multe ori sursele predilecte la care artista recurge pentru a produce imagini, acestea se metamorofozează într-un registru suprapersonal, fără a putea distinge cu precizie cum se/ce anume produce joncțiunea cu propriile noastre scenarii și proiecții imaginare. Parte din generația foarte tânără a artiștilor norvegieni, Maria Pasenau este pe deplin conștientă de spectrul omniprezent al imaginilor vehiculate pe rețelele sociale, de rolul lor în modelarea subiectivităților, de constanta presiune de a performa identități care să confere validare și să întărească statutul social sau profesional al celor care le adoptă. Dacă se figurează pe sine și viața ei, Pasenau merge însă într-o direcție radical opusă: ea nu își „glamurizează” existența și corpul, ci le expune într-o manieră nefiltrată, cât se poate de diferită de standardele estetice sau de acceptabilitate pe care le întâlnim, de pildă, pe Instagram. Reziduuri ale vieții cotidiene, prieteni queer pe care îi fotografiază în scenarii improvizate pline de umor, jucării și obiecte care sunt deturnate de la funcționalitatea lor inofensivă și devin brusc altceva – toate acestea formează o rețea de ființe, materii și obiecte, deopotrivă interconectate și autonome, care sunt impregnate cu o aură inconfundabilă, profund neliniștitoare și ludică.

Pentru intervenția ei în cadrul expoziției EXPO_02_GEN, Maria Pasenau a ales să creeze câteva montaje în care fotografii extrase din Colecția de imagini Mihai Oroveanu sunt plasate în corespondență cu imagini din arhiva personală. „Răsfoirea” arhivei istorice, care nu i-a putut fi făcută accesibilă decât în varianta ei digitalizată, fiind deci incomplet disponibilă, a favorizat un tip de interacțiune distantă și în același tip deconectată, care a rezonat cu caracterul informal și direct pe care Pasenau îl adoptă în arta ei. De la alăturări ce au la bază asemănări formale sau tipologice, până la juxtapuneri contrastante, și care pot genera chiar o anumită perplexitate, combinațiile rezultate pun în lumină dezinvoltura și ingeniozitatea acestor asocieri, acordând totodată un loc special unor cadre și situații aparent insignifiante, frivole și ușor de ignorat, situate în marginea narațiunilor pe care arhiva, în sensul ei clasic-normativ, și-a propus să le construiască.

Maria Pasenau (n. 1994) este o artistă vizuală care trăiește și activează în Oslo. Ea a studiat la Norwegian School of Photography în Trondheim. Printre expozițiile personale recente pot fi menționate Whit Kind Regrets Pasenau (2018, Makeriet, Malmö), My Name is End, Bitter End (2018, K4 Gallery, Oslo), Pasenau and the Devil (2019, Fotogalleriet, Oslo). A participat în numeroase expoziții de grup precum Early Works (2017, New Galerie, Paris), The Hoodies (2017, Kristiansand Kunsthall), Faithless Pictures (2018, Norwegian National Museum, Oslo), Pinkcube (2018, Tenthaus, Oslo), Sub (2018, Akerhus Kunstsenter, Lillestrøm). În 2018 Pasenau a publicat prima ei carte fotografică Whit Kind Regrets Pasenau, urmată de Pasenau and the Devil realizată în conexiune cu expoziția de la Fotogalleriet în 2019 și The Hoplesness Of Beeing Alive în 2020. Ea are lucrări în colecția permanentă de la Norwegian National Museum, numărându-se printre cei mai tineri artiști achiziționați de această instituție.

Această intervenție artistică este un rezultat al colaborării între Fotogalleriet Oslo și Salonul de proiecte, conversațiile între parteneri vizând și procesul de selectare a unor artiști din Norvegia care au disponibilitatea să reacționeze la imaginile din arhivă, propunând producții noi.

EXPO_02_GEN / Selecție din colecția de imagini Mihai Oroveanu aduce împreună o paletă largă de tehnici care pun în lumină evoluția dispozitivului fotografic, de la clișee pe sticlă și negative pe film, unele dintre ele scanate acum pentru prima dată, la printuri originale realizate de studiouri fotografice active în România între sfârșitul secolului al XIX-lea și mijlocul secolului XX, de la fotografii oficiale, atent coregrafiate și controlând felul în care sunt înfățișați subiecții lor la improvizații de tip vernacular în care libertatea de manifestare în fața camerei este incomparabil mai mare. Selecția se depliază ca un montaj, care aduce împreună teme și tipologii legate de vizualizarea prin fotografie a problematicii genului și care propune, pe de altă parte, juxtapuneri neașteptate care contrariază așteptările, destabilizează sensuri profund înrădăcinate cultural și stimulează mecanismul de interpretare al fiecărui privitor.

Expoziția poate fi vizitată până pe 4 iulie 2021, detalii despre tururile ghidate vor fi anunțate în prealabil pe rețelele sociale.

www.photopastfuture.ro 

Expoziția, intervenția artistică și prezentarea de artist fac parte din proiectul Imaginea fotografică între trecut și viitor ce are ca principală miză prezervarea și punerea în circulație publică a unui fond de imagini cu o enormă relevanță culturală și istorică, precum și organizarea în paralel a unor activități de artă contemporană. Proiectul se desfășoară în perioada iunie 2020 – noiembrie 2021, în parteneriat cu Fotogalleriet Oslo. Bugetul total al proiectului este 170.000 euro, din care valoarea sprijinului financiar nerambursabil este 152.000 euro.

Proiect finanțat prin Granturile SEE 2014 – 2021 în cadrul Programului RO-CULTURA

Granturile SEE reprezintă contribuția Islandei, Principatului Liechtenstein și Regatului Norvegiei la reducerea disparităților economice și sociale în Spațiul Economic European și la consolidarea  relațiilor bilaterale cu cele 15 state beneficiare din estul și sudul  Europei și statele baltice.
Aceste mecanisme de finanțare sunt stabilite în baza Acordului privind Spațiul Economic European, ce reunește statele membre UE și Islanda, Liechtenstein și Norvegia ca parteneri egali pe piața internă.
În total, cele trei state au contribuit cu €3,3 miliarde între 1994 și 2014 și €1,55 miliarde pentru perioada de finanțare 2014-2021.
Mai multe detalii sunt disponibile pe: www.eeagrants.org și www.eeagrants.ro 

Programul RO-CULTURA este implementat de Ministerul Culturii prin Unitatea de Management a Proiectului și are ca obiectiv general consolidarea dezvoltării economice și sociale prin cooperare culturală, antreprenoriat cultural și managementul patrimoniului cultural.
Bugetul Programului este de aproximativ 34 milioane de euro.
Mai multe detalii sunt disponibile pe: www.ro-cultura.ro 

Salonul de proiecte este un program axat pe cercetare și producție, promovând arta contemporană din România prin realizarea de expoziții, publicații, prezentări și dezbateri care o plasează în dialog cu contextul regional și internațional. Salonul de proiecte a fost fondat în 2011 în cadrul MNAC Anexa, iar din 2016 funcționează ca centru independent de artă contemporană în Palatul Universul, București. Echipa: Alexandra Croitoru, Magda Radu, Ștefan Sava

Salonul de proiecte beneficiază de sprijinul pe termen lung al Fundației Art Encounters, Timișoara. 

www.salonuldeproiecte.ro
https://www.facebook.com/salonuldeproiecte
Instagram: photopastfuture, salonuldeproiecte 

Expoziție Dreams Made Flesh

„Dorințele queer pot cuprinde un sentiment de disconfort, o dificultate legată de modalitățile prescrise de a trăi și a iubi, alături de un entuziasm în fața unei incertitudini unde disconfortul ne poate duce.”  
 — Sara Ahmed, în „The Cultural Politics of Emotion” (2004)

Vernisaj

Sâmbătă, 8 mai 2021, 15:00-21:00

+

Performance de Catinca Malaimare

A sight better than the others

18:00/ 20:00

Galeria Catinca Tăbăcaru este încântată să vă prezinte Dreams Made Flesh (Vise încarnate), o expoziție curatoriată de Luís Manuel Araújo cu lucrări ale artiștilor Catinca Malaimare, Xavier Robles de Medina, Zoe Williams, și Bruno Zhu, deschisă începând cu  6 mai 2021 la sediul galeriei de pe strada Mexic, nr. 1, București.
 
Dreams Made Flesh (Vise încarnate) este o expoziție de grup ce reunește patru artiști care explorează modul în care identitatea umană este modelată prin intermediul obiectelor asupra cărora își proiectează dorința, dintr-o perspectivă queer.

Dorințele queer sunt adesea orientate către obiecte cotidiene considerate nelegitime de societatea zilelor noastre, întrucât acestea obișnuiesc să amenințe tiparele legate de sex, gen și sexualitate. Expoziția pleacă de la premisa că o abordare queer ne poate elibera de monotonia unei vieți prescrise și poate crea noi culturi materiale, rezistând opresiunii normativității. Dialogul creat de lucrările expuse se bazează pe potențialul existent în obiectele asupra cărora ne proiectăm reflecțiile, prin care ne recreăm emoțiile, cu care ne încântăm sau ne înfrumusețăm.

Catinca Malaimare  expune pentru prima dată Eight of Clubs |♣️| , un film în care artista manipulează o structură alcătuită din opt secțiuni de ecrane cu lumină fotografică LED, reunite de un nucleu circular, siluetă ce pare a simula forma unui păianjen sau a unei flori pe punctul de a se ofili. Malaimare își pune la încercare limitele propriei anatomii, folosindu-și în totalitate corpul pentru a manevra membrele obiectului. Acest efort generează o experiență senzuală, accentuată prin sunetul frecării dintre piele și suprafața artificială a ecranelor luminoase, alături de privirea ațintită a performerului către spectator. Ideea intimității dintre om și mașinărie este ilustrată, de asemenea, prin fotografiile în care Malaimare pozează alături de două televizoare Discoverer Space Helmet din anii 1980, adoptând o atitudine oscilantă: de la ademenirea spectatorului printr-o privire provocatoare, la desconsiderarea acestuia prin orientarea privirii în direcția opusă. Artista va realiza, de asemenea, performance-uri live, ca forme de manifestare a modului în care tehnologiile antropomorfe acționează asupra simțurilor noastre, declanșând sentimente precum iubirea, frica, ura sau dorința.

Xavier Robles de Medina se folosește de propria colecție de imagini adunate din mediul online și din materiale tipărite pe care le apropriază, integrându-le în vocabularul artistic personal prin eliminarea culorii și modificări sensibile la nivelul formelor și texturilor. Pentru expoziția Dreams Made Flesh, Robles de Medina transpune în pictură două dintre aceste imagini compuse, la rândul lor, din patru fotografii. Unul dintre tablouri este un portret al Shakirei, pictat în acrilic pe lemn, ce reunește diferite unghiuri ale unei scene în care artista privește publicul în timpul spectacolului său din cadrul Super Bowl 2020; pe măsură ce calitatea reproducerii dobândește emoțiile personajului portretizat, pictura pare să privească voyeurul, antrenând schimbul de roluri între privitor și obiectul privirii și, totodată, al dorinței. Cealaltă imagine ilustrează o încăpere alcătuită din patru spații distincte și ocupată exclusiv de mobilier și draperii; în absența omului, obiectele domestice reproduse în pictură comunică propriile stări și sentimente. În timp ce prima imagine încearcă să replice prezența umană, cea de-a doua surprinde o conversație între obiecte care au fost eliberate de utilizatorii lor.

Realizat de Zoe Williams, proiectul Sunday Fantasy (2019) include un film și o instalație inspirate de o sticluță de parfum din timpul Imperiului Roman, descoperită de artistă în colecția British Museum. Filmul conturează portretului protagonistei Veronica Malaise, jucată de patru actrițe diferite. Fiecare performer oferă propria interpretare a Veronicăi, folosindu-se de sticluța de parfum pentru a-i invoca cele mai intime fantezii. Desene, obiecte de ceramică și reproduceri din sticlă ale flaconului de parfum - utilizate inițial drept recuzită în film- sunt expuse sub forma unei instalații ce transpune universul ludic prezent în Sunday Fantasy în spațiul galeriei. De-a lungul timpului, normele sociale au dictat raporturile dintre om și obiecte în sensul consolidării definiției tradiționale a genului, rezumată de binarului feminin-masculin; printr-un sistem al seducției, al fetișismului și al vrăjitoriei, Williams ne invită să ne explorăm și să ne manifestăm cele mai profunde dorințe indiferent de gen sau sexualitate.

Instalația lui Bruno Zhu intitulată Joy (b. 2019) prezintă o bucată de săpun asemănătoare unui ou, așezată într-un cuib de pene, alături de accesorii cosmetice păstrate în suporturi personalizate din pânză. Oul, denumit Joy, e născută în 2019 la New York. În cadrul instalației, Joy este înconjurată de produse de înfrumusețare. Proiectarea unui comportament antropomorf asupra acestei bucăți de săpun are legătură cu asocierea dintre un nou-născut și semnificanți de gen ai unui viitor posibil: beauty blendere, forfecuțe pentru cuticule, pensete și pensule de machiaj. Ansamblul de obiecte reflectă cu umor standardizarea comportamentelor sociale, expunând preconcepții legate de lucrurile de care ar trebui sau nu să fim atrași, în mod inerent, încă de la naștere. Interacțiunile cu lucrurile care ne înconjoară pot fi văzute astfel în contextul unor tipare sociale alcătuite atât din oameni, cât și din entități non-umane.
 
Cei patru artiști au contribuit la o publicație ce va fi tipărită cu ocazia expoziției Dreams Made Flesh. Inspirată de tradiția românească a tăierii moțului, publicația va ilustra o selecție de obiecte pe o tavă de argint, fiecare întruchipând o dorință secretă a unuia dintre artiști.

Expoziția se va deschide joi, 6 mai 2021, între orele 14:00-20:00 și va putea fi vizitată de public până pe 19 iunie, de miercuri până sâmbătă, în intervalul orar 12:00-18:00. Sâmbătă, 8 mai 2021, între 15:00-18:00, propunem un program special în curtea galeriei: un performance al Catincăi Malaimare cu două reprezentații, la ora 15:00 și la ora 17:00, alături de o conversație între curatorul Luís Manuel Araújo și artistul Xavier Robles de Medina, de la ora 16:00.

TERRA - International Sculpture Symposium in Terracotta

Galeria Galateea Contemporary Art organizează în perioada 30.04. – 28.05.2021, un eveniment expozițional de excepție, reprezentat de un eșantion cuprinzător al sculpturilor din teracotă ce fac parte din colecția fabuloasă de sculptură a patrimoniului Muzeului Terra din Kikinda,  realizate  în cadrul Simpozionului Internațional de Sculptură în Teracotă. 

În ciuda numărului infim al lucrărilor selectate, pentru a fi expuse, acestea alcătuiesc o expoziție compactă în care fiecare sculptură își păstrează propria autonomie, promovând, în același timp, estetica specifică Terra. De un roșu cu nuanțe ocru – unic, dobândit prin ardere, argila din Kikinda extrasă din depozitul activat al vechii fabrici de cărămidă și țiglă, are plasticitatea, maleabilitatea și memoria gesturilor unice necesare creării sculpturilor monumentale. Patina și culoarea suprafețelor,  sau monumentalitatea formelor, indiferent de dimensiunea metrică, au devenit  elemente importante în coagularea expoziției, emanând o atmosferă unitară și compactă.

Prin selecție, asociere și dispunere, încercăm să recreem deliberat o atmosferă, la o scară redusă, a unui loc unic în lume, avand sentimentul continuității.

Curator:  Nicolae Moldovan

Galateea Contemporary Art Gallery in Bucharest organizes between 30.04.2021 – 28.05.2021 an exceptional exhibition event, represented by a broad range of terracotta sculptures that are part of the fabulous sculpture collection of the Terra Museum in Kikinda, made during the International Symposium of Terracotta sculpture.

Despite the quite small number of terracotta sculptures selected to be exhibited, they comprise a compact exhibition in which each sculpture retains its own autonomy while promoting the specific aesthetics of Terra. The Kikinda clay extracted from the activated deposit of the old brick and tile factory, of a red colour with unique ocher shades, acquired by the firing process, has the plasticity, malleability and memory of the unique gestures necessary to create monumental sculptures. The patina and the color of the surfaces, or the monumentality of the shapes, regardless of the metric size, have become important elements in the gathering of the exhibition, emanating a unitary and compact atmosphere

Through selection, association and disposition, we try to deliberately recreate an atmosphere, on a small scale, of a unique place in the world, with a sense of continuity.

Curator:  Nicolae Moldovan

Bucharest Biennale 9 second part canceled due to Covid-19

Due to the current Covid-19 pandemic developments, we are unfortunately forced to announce the decision to cancel the second part of BUCHAREST BIENNALE 9 programmed under the curatorship of Henk Slager with a.o. participating artists Tiong Ang and Co. (NL), Claudia Brăileanu (RO), and Gustafsson & Haapoja (FI), which was to be open from May 6, 2021.

The planning security for all actors involved in the event is at this moment simply not given and the health risk is too high. Therefore, after careful consideration, we have come to the unavoidable decision to cancel the scheduled May 2021 activities of BB9, so that BB10 can take place in its entirety from May 2022. Still, we are pleased that the first part of BB9 successfully took place in June 2020. 

Bucharest situation it is still dramatic and we are currently required to avoid personal contacts due to the pandemic. The quarantine is strong and travels are not possible. Holding a biennale cannot be reconciled under these conditions. We also see ourselves as having a responsibility to you, the artists, the program partners, the audience and our staff.
 
Even if it should be possible to visit exhibitions under even stricter Covid-19 protection measures such as negative attestations, etc., these requirements cannot be guaranteed by many program partners due to limited personnel and financial resources. 
 
The reduced benefit and output is disproportionate to the enormous effort put in by the people involved, first and foremost the participants and our dedicated team. 
 
BUCHAREST BIENNALE 10 is scheduled to take place starting May 2022 and it is curated by JARVIS, the first AI curator in history using as venues AR and VR.

Special thanks to all our supporters for this complicated edition: Netherlands Embassy, Goethe Institute, and Austrian Cultural Forum.

All our gratitudes goes to artists and the curator Henk Slager, who really strugled to make BB9 happened during the pandemic.

Stay safe, be healthy and see you in Bucharest in 2022.

www.bucharestbiennale.org

SECVENȚE INTIME - expoziție de ceramică contemporană

SECVENTE INTIME        
16 februarie - 24 martie, 2021
 
Un nou grup de artişti ceramişti din generaţia 2016-2018 şi-a propus să abordeze o temă comună - SECVENŢE INTIME - păstrându-şi fiecare libertatea de expresie. Astfel, cei nouă artişti au abordat gânduri, temeri, întrebări intime, pe care în viaţa de zi-cu-zi nu le-ar povesti sau împărtăşi într-o conversaţie ci numai într-un dialog interior cu ei înşişi. Reflexii, gânduri, manifestări ce pot fi codificate în limbaj artistic, într-un cod al semnelor, poate abstracte sau golite de acţiune.

Şi totuşi acesta rămâne demersul reflexiv pe care artiştii şi l-au propus, mergând până la extragerea unei seminţe din sinele ascuns privirii şi dezvăluită în materialul ceramic. O dezvăluire cu timiditate a unor simţiri interioare, spre o autocunoastere dar şi spre cunoaşterea celorlalţi membri ai grupului.

Ieşiţi dintr-un spaţiu al tăcerii unde s-a produs o simbioză de idei , trei din cei nouă artişti au recurs la un demers inedit, acela de a concepe şi modela în comun dar secvenţial, în trei etape, o lucrare care să poarte amprenta fiecăruia. Aceste experienţe, experimente şi sentimente fac parte din laboratorul cu adevărat intim al artiştilor:
Andreea Bădrăgan - Nicoleta Blegu - Miruna Coman
Victor Costache - Ana Maria Maioru - Andreea Năstase
Petronela Roşu - Marius Stanciu - Anca Vintilă Dragu

Rachel Monosov: It's All Written in the Stars

Suntem încântați să anunțăm deschiderea noului nostru sediu din strada Mexic nr. 1, București, România, pe 5 decembrie 2020, între orele 14:00-20:00.

Catinca Tăbăcaru a fondat Galeria în 2014, în New York, unde a devenit recunoscută la nivel internațional pentru abilitatea ei de a descoperi talente unice, a-și asuma riscuri și a organiza evenimente care valorifică și transformă întreg spațiul expozițional. În 2017, Galeria și artiștii săi au construit și au deschis un al doilea sediu în Harare, Zimbabwe, unde proiectele dezvoltate i-au pus în contact pe artiștii și curatorii internaționali cu creatorii locali. În 2020, Tăbăcaru a mutat spațiul principal de expoziții al Galeriei din New York în București. „În acest moment, consider că este important ca activitatea Galeriei să fie într-un oraș unde scena artistică este în plin avânt; unde operele pe care le sprijinim și pe care le expunem să contribuie direct la explozia creatoare ce va defini viitoarele generații de artiști, curatori și colecționari”, a explicat Tăbăcaru.

Această experiență itinerantă se reflectă în programul internațional al Galeriei, care include reprezentări ale unei serii de artiști din cinci continente și o rezidență pentru artă itinerantă, cu expuneri în Zimbabwe, Canada, Serbia, Nigeria, Finlanda și, cel mai recent, România.

Este important de menționat că, pe lângă expozițiile de artă contemporană, Galeria Catinca Tăbăcaru a funcționat ca platformă pentru parteneriate multidisciplinare, cu accentul pe practicile performative. Proiectele principale includTranscultural Protocol/Protocol transcultural (2017), un performance creat de Rachel Monosov și Admire Kamudzengerere, prezentat la Pavilionul Zimbabwe, în cadrul celei de-a 57-a ediții a Bienalei de la Veneția; TRANS-Ville (2017-2018), o serie de performance-uri artistice expuse în vitrina publică a Galeriei din New York, în care artiștii au transpus stări de trecere de la gen la politică și poezie; și pen·ny·roy·al (2019), o serie de performance-uri pornind de la sunet, curatoriate de Raphael Guilbert și care au pus accentul pe artistele de culoare din New York.

În București, Galeria va cotinua să scoată în evidență artiști emergenți, a căror creație este relevantă pentru timpul actual. Mulți dintre ei abordeazăteme socio-politice legate de țările din care provin: post-comunism, post-colonialism, rasă, migrație, gen, identitate, mit și spiritualitate. În prima parte a anului 2021, Galeria va prezenta expoziții individuale de Rachel Monosov (Rusia-Israel), Chioma Ebinama (Nigeria-America) și Sanja Latinović (Serbia) și o expoziție de grup cu lucrări semnate de Xavier Robles de Medina (Surinam), Zoe Williams (Marea Britanie), Bruno Zhu (China-Portugalia) și Catinca Mălaimare (România).

Lucrări ale artiștilor Galeriei au fost expuse și/sau achiziționate de muzee și instituții din întreaga lume, incluzând Bienalele de la Veneția, Dakar, Cairo și Bamako; Muzeul Whitney (New York), Art Institute of Chicago, Albright Knox (Buffalo), NOMA (New Orleans), Galeria Națională din Zimbabwe (Harare), Muzeul Național de Artă (București), BOZAR (Bruxelles), Palazzo delle Esposizoni (Roma), Bundeskunsthalle (Bonn) și Muzeul de Artă Pérez din Miami.

Rachel Monosov

It's All Written In The Stars/Totul este scris în stele

5 decembrie 2020 – 13 februarie 2021

Titlul expoziției lui Rachel Monosov, It's All Written In The Stars/Totul este scris în stele, este inspirat din scurtmetrajul care a stat la baza acesteia și care a fost realizat îmbinând elemente de science fiction și autobiografice.Surorile Monosov, Rachel și Maria, care au scris, regizat și jucat în film, se întorc în casa copilăriei. Lunga lor călătorie este punctată de posibile amintiri din copilăria uitată în Bukova, un sătuc din provincia Zelenchukskiy din Rusia. Acest loc izolat s-a dezvoltat în jurul Observatorului Special de Astrofizică (OSA), unde s-a aflat, câțiva ani, cel mai mare telescop reflector cu oglindă singulară din lume. Întoarcercea în 2019 este o experiență care le poartă înapoi într-un loc unde timpul pare că s-a oprit odată cu prăbușirea URSS-ului, în 1989. It's All Written In The Stars/Totul este scris în stele devoalează treptat etichete sociale complicate și agende îngrijorătoare. Pe măsură ce surorile care se înstrăinaseră încearcă să reconstruiască un trecut uitat, fragmente de amintiri oferă variante utopice de viitor.

Filozofiile Dis(U)topice nu sunt surprinzătoare în lumea de azi. Trăim vremuri în care incertitudinea cu privire la viitorul nostru este un dat. Cheltuim miliarde de dolari pentru a găsi soluții de a locui pe Marte. Filmul scoate în evidență singurătatea ecosistemului nostru, izolarea și căutarea de alte planete ca alternative pentru propria noastră existență.

It's All Written In The Stars/Totul este scris în stele este o poveste despre migrație într-un sens exhaustiv al termenului. Nu este vorba doar despre mutarea dintr-un loc într-altul, de pe o planetă pe alta, ci despre deplasarea în interiorul nostru, în diferite straturi ale lumii interioare. Dar, așa cum astronomii au încercat să studieze universul dintr-un punct al micii noastre planete, protagonistele acestui film încearcă să-și exploreze universul pornind de la spațiul și timpul în care se află ACUM. Aceste încercări de a înțelege adevărata lor identitate, de a se reconecta se relevă drept mișcări în gol într-un spațiu închis, incapabil să depună mărturie pentru existența surorilor.

Pe măsură ce filmul leagă fenomene din cosmos cu diferite straturi ale lumii interioare, ideea revine la un nivel concret, fizic, vizând deplasările populațiilor pe Pământ. Această trecere de la note autobiografice la evenimente socio-politice și istorice de amploare este un element reprezentativ pentru creația lui Rachel Monosov. Tatăl surorilor, care a emigrat din Rusia în Israel în 1990, a devenit și el unul dintre milioanele de imigranți, refugiați și apatrizi de astăzi.

Eu însămi scriu aceste rânduri într-un moment dificil, departe de New York-ul pe care l-am considerat casa mea timp de mai bine de un deceniu și unde am fondat Galeria, în 2014. Ne acomodăm acum într-un spațiu și o comunitate noi în București. Asemenea surorilor din film, m-am întors în țara mea nativă, văzând-o cu ochii mei de străin, încercând să-mi regăsesc rădăcinile românești din interiorul sinelui meu adult, internațional. Acest exercițiu a fost înghițit de răspândirea coronavirusului, care ne-a inundat realitatea. Pandemia te obligă la schimbare, la autoevaluare și la noi reguli. It's All Written In The Stars/Totul e scris în stele nu se putea materializa într-un moment mai bun, pentru a ne însoți în demersul nostru de a înțelege nesiguranța și singurătatea generalizate, dar și reversul medaliei: posibilitatea de a ne reconecta cu noi înșine și cu ceilalți.

Această expoziție marchează deschiderea inaugurală a Galeriei Catinca Tăbăcaru, noul sediu din București. Rachel Monosov este prima artistă care are în vedere formatul multi-cameral al galeriei. Lucrările ei multimedia au la bază cercetări despre nostalgia pentru Cursa Spațială din secolul al XX-lea; materialele și simbolurile folosite de eatrimit la asocieri cu epoca post-URSS, privită în contextul prezentului. Această tendință de a conferi sensuri multiple reprezintă o caracteristică a lucrărilor lui Monosov, care adesea se dezvoltă în direcții variate, de la politică la filozofie și poezie.

(Text de Catinca Tăbăcaru)

Expoziția este însoțită de o broșură care include interviuri cu astronomii de prestigiu R. Brent Tully, Bruce Elmegreen și Olga Silchenko.

Expoziția este organizată cu sprijinul Institutului Goethe din București.

Rachel Monosov s-a născut în Sankt Petersburg, a crescut în Ierusalim, și-a obținut masteratul în arte plastice în Ghent, este cofondatoarea Colectivului CTG și în prezent trăiește și lucrează în Berlin.

Artistă multidisciplinară, Rachel Monosov s-a aplecat asupra conceptelor culturale de alienare, apartenență la un spațiu și identitate, reflectând asupra unui prezent lipsit de rădăcini, cu implicații sociale extinse. Lucrările ei au fost incluse în expoziții la BOZAR și Muzeul Dhont-Dhaenens în Belgia, Kunsthaus Hamburg și Bundeskunsthalle Bonn în Germania, Muzeul Serlachius în Finlanda, Palazzo delle Esposizioni și Villa Massimo în Roma, și în trei bienale internaționale: cea dea 11-a Bienală Bamako, cea de-a 13-a Bienală din Dakar și Pavilionul Zimbabwe în cadrul celei de-a 57-a ediții a Bienalei de la Veneția. În 2019, a avut prima expoziție individuală muzeală la Centrul Tarble Arts din Illinois. A câștigat Praxis Stipendium al Academiei Germane la Roma, Premiul Northern Trust Purchase, a fost susținută de Institutul Goethe și a intrat pe lista scurtă a Premiilor Mack First Book. Lucrările ei au fost achiziționate pentru colecțiile permanente de la The Art Institute of Chicago, Muzeul Block al Universității Northwestern și Galeria Națională din Zimbabwe.

Galateea Contemporary Art la NAG l 03 și 04 octombrie 2020

a l b a s t r u
03.10. – 04.11.2020

Galeria Galateea Contemporary Art la NAG
03, 04 octombrie 2020
Program: 18.00 - 24.00
http://www.noapteagaleriilor.ro/

„Trăim înconjuraţi de albastru. Apa şi cerul sunt albastre. Pământul, văzut din spaţiu este albastru.&;Albastrul este culoarea încrederii şi a loialităţii. Optimismul, prospeţimea şi curăţenia sunt reprezentate de albastru. Înţelepciunea, spriritualitatea şi contemplarea sunt la rândul lor asociate albastrului.

 
Putem spune, aşadar, că această culoare face parte, într-o covârşitoare măsură, din viaţa noastră.
În ceramică, această culoare este folosită din timpuri imemoriale. Oxidul de cobalt care este un albastru special, a fost găsit pe poteria realizată în antichitate în Egipt şi Persia. Din Evul Mediu, în Europa apar centre unde ia amploare producţia de ceramică, precum Delft, din Olanda, renumită pentru ceramica sa, decorată cu albastru.

 
Albastrul este un fir care leagă măiestria ceramicii peste timp, între creatorii de frumos de acum câteva mii de ani şi urmaşii lor, continuatori şi inovatori ai acestei arte.

 
În aceste vremuri de nesiguranţă care pluteşte, tulbure, peste toată lumea, ne propunem maieutic să moşim adevărul, ca în şcoala platoniciană, prin întrebări ale formei ceramice propuse de artişti. "Firul roşu" al expoziţiei va fi constituit de albastrul lucrării propuse.” Aniela Ovadiuc & Bogdan Iorga

Curatori: Aniela Ovadiuc, Lucia Lobonț
Expun: Arina Ailincăi, Elena Amariei, Andreea Badragan, Cristina Bolborea, Gherghina Costea, Gheorghe Crăciun, Judit Crăciun,  Anca Vintila Dragu, Cătălina Gavriliță, Carmen Daniela Ioniță, Lucia Lobonț, Elena Pîrvu, Cristina Popescu Russu, Matei Siminic, Ana Maria Stroie, Adina Toader

Acest proiect face parte din programul de susținere a galeriilor de artă din București inițiat de Primăria Capitalei prin Direcția Generală de Arhitectură Peisagistică și Monumente de For Public și Centrul Cultural Expo Arte.

Parteneri media: Modernism.ro, Radio România Cultural, Jurnalul Bucureștiului, Intell News, Manufacturat.ro, Amos news, Leviathan, ArtLine

                                                                            
U.A.P. din România l Galateea Contemporary Art
Calea Victoriei 132, Bucureşti | Bucharest
Program galerie  | Opening hours
L - V: 14 - 18 | Monday - Friday: 2pm - 6pm

galeriagalateea@yahoo.com
www.galateeagallery.com/
https://www.facebook.com/galeria.galateea/

Galeria Estopia București vă invită la vernisajul expoziției Foreseeing the Present

Galeria Estopia București vă invită joi, 17 septembrie, între orele 15.00 – 21.00, la vernisajul expoziției de grup Foreseeing the Present*, care prezintă lucrări realizate pe durata ultimelor 6 luni de 7 artiști din portofoliul galeriei - Marina Aristotel, Andrada Feșnic, Juhos Sándor, Sergiu Laslo, Madár Réka, Andrea Tivadar și Edith Torony.
 
Timpul prezent, depozitar al concretului, dar și al proiecțiilor, viselor, temerilor noastre, este tema acestei expoziții, care își propune să exploreze impactul perioadei recente, marcată de izolare și incertitudini, asupra modului în care lucrează, gândesc și găsesc soluții artiștii în momente de criză. May You Live in Interesting Times – titlul Bienalei de la Veneția de anul trecut, pare, văzut prin lentila perioadei pe care o traversăm, aproape o profeție. În vremuri „interesante”, prezentul se dilată și pare să înghită celelalte dimensiuni ale timpului – „aici și acum e tot ceea ce avem” e un gând care ne înconjoară cu un cert disconfort.

 
Dar cum trăim acest prezent? Le-am adresat această întrebare artiștilor participanți în expoziție, alături de provocarea de a interpreta, foarte personal și creativ, bula temporală actuală. Rezultatul? Fiecare lucrare expusă poate fi privită ca un „oracol” – unul care vorbește despre preocupările artiștilor, în primul rând, dar și o fereastră deschisă către experiențele în care ne recunoaștem și care conturează, fragmentar, acest „acum” atât de diferit.
 
Pentru Marina Aristotel, ultimele luni au însemnat o întoarcere la figurativ – pentru ea, prezentul a declanșat o „vânătoare” de spații exotice și umbre, vizibilă în cele două lucrări, Chasing Summer și Chasing Shadows. „Izolarea asta ar trebui să ne învârtă puțin rotițele: nimic nu va mai fi la fel, asta e sigur”, crede Andrada Feșnic, iar într-una din lucrările prezentate, un glob enorm de lumină pare să cuprindă, totuși, speranța reașezării lumii pe făgașul ei... The little things. Fear of losing (Made during the Covid-19 isolation) e metafora unui „cabinet cubic de curiozități miniaturale”, un fel de Arcă a lui Noe prin care Juhos Sándor speră să salveze „lucrurile cu adevărat importante”. Cum arată apocalipsa personală ne arată Madár Réka, într-o seducătoare abordare a unei distopii abstract – alegorice, în timp ce pentru Sergiu Laslo ascunderea chipului și ferirea privirii continuă să reprezinte o metaforă vizuală puternică a sustragerii din realitate, ca în lucrarea Stealing my mind, gently. Convinsă că momentul de acum ne oferă fascinanta „oportunitate a suspensiei timpului”, Andrea Tivadar își concepe noua serie de lucrări, Blurred Abstraction, în zona incertitudinii și a necunoscutului, ca în Uncertain place și Unknown space. O plasă de sârmă transparentă filtrează privirea oricui ar vrea să pătrundă în spațiul interzis (Forbidden place) imaginat de Edith Torony, care continuă în ultimele luni explorarea periferiei urbane și a consumismului haotic, reușind să extragă din toate aceste fragmente exilate la marginea lumii noastre rămășițele unui viitor care ar putea arăta exact ca în lucrarea ei, Synthetic Future.
 
Ne bucurăm să vă anunțăm că Estopia Lugano se va redeschide la începutul lunii octombrie cu expoziția personală a lui Juhos Sándor.
 
*Notă pentru vizitatori: Vă invităm la vernisajul expoziției, joi, 17 septembrie, într-un format adaptat situației actuale, când suntem cu toții parte a unui efort colectiv de a opri răspândirea virusului Covid-19. De aceea, urmând recomandările autorităților, expoziția va putea fi vizitată joi, 17 septembrie, la vernisaj, între orele 15.00 – 21.00, și, începând din 18 septembrie, potrivit programului normal al galeriei, sau cu programare. Expoziția va rămâne deschisă publicului până pe 18 octombrie. Accesul în galerie se face respectând normele de distanțare socială. Purtarea măștii este obligatorie, fie masca proprie sau cea pe care v-o punem la dispoziție la intrarea în galerie.
 
Marina Aristotel s-a născut în 1985, trăiește și lucrează la București.
A studiat pictura la Universitatea Națională de Arte din București, unde a obținut licența în 2015 și masteratul în 2017. Cu o formație inițială de pictor, artista a ales rășina ca material de lucru, experimentând în același timp în zona instalației și a altor materiale și tehnici. Dacă în ultimii ani a privilegiat lucrul cu rășina și asamblajul, focalizându-se în același timp asupra abstracției ca direcție predilectă, cele mai recente lucrări, prezentate în expoziție, readuc preocupările sale în zona picturii figurative. A participat în expoziții de grup, între care, la București, Moarte, Galeria Laborna, Diploma, Palatul Știrbei, Atelier 19&34, Visual Arts Center; Spatial Activity Studio 9, atelier susținut de prof. Slawomir Brzsoska și Rafal Gorczynski, Universitatea din Poznan, UNA Galeria, în 2017; An Abstract Feeling, Galeria 418, București, 2016. Galeria Estopia a prezentat prima sa expoziție personală, Aasamblaj, în 2019, și, mai recent, expoziția Colour Splinters, la Lugano, în 2020.
 
Andrada Feșnic s-a născut în 1987 la Cluj-Napoca, unde trăiește și lucrează. A studiat pictura la Universitatea de Artă și Design din Cluj-Napoca, unde a obținut licența în 2016 și masteratul în pictură în 2018. În 2015 a beneficiat de o mobilitate Erasmus la Central Saint Martins, University of the Arts London. În 2018, A+Space a găzduit expoziția sa personală, Aftermath, în cadrul Centrului de Interes, Cluj. A participat la numeroase expoziții de grup și proiecte internaționale, între care a realizat un performance în proiectul Performing the Unconscious, Freud Museum, Londra, în 2015. În ianuarie 2019 Galeria Estopia din București a prezentat expoziția personală, Fractured Realities I, urmată de Fractured Realities II, găzduită de Estopia Lugano. Pentru Andrada Feșnic, pictura echivalează cu un veritabil teren experimental definit de straturile suprapuse, de efectul de colaj pictural, de inovația cromatică și de descompunerea atent orchestrată a elementului figurativ.
 
Sergiu Laslo s-a născut în 1993 la Cluj-Napoca, unde trăiește și lucrează.
A studiat pictura la Universitatea de Artă și Design din același oraș. A participat la numeroase expoziții de grup, între care, în 2018, Paintings and Jewelry, Wine Notes, Cluj; Rebellive Art/Conscious, A fashion-infused Art Zine, Budapesta; Eu nu emit carbon, Halucinarium – Triaj creativ, București; Close Encounters of the Ninth Kind, City Art Space and Double Tree by Hilton Cluj. În 2017 și-a prezentat lucrările, între altele, la Going East, Institutul Cultural Român, Londra; Bombastic Cultural Space and Workshop Launloc, Cluj; DIY (Do It Yourself), Spațiul Cultural Gara Mică, Cluj-Napoca. În 2019 Galeria Estopia din București a prezentat expoziția sa personală, Lighting Grey, iar Estopia Lugano a găzduit personala Stolen Moments.

Născută în 1981 la Miercurea – Ciuc, Madár Réka trăiește și lucrează la Timișoara.
A absolvit licența și masteratul în pictură la Facultatea de Arte Plastice, Universitatea de Vest din Timișoara. Între expozițiile sale personale se numără Plastic People, la Galeria Calina din Timișoara, în 2009, Vernissage, la Galeria d’Ancona Budis din București, în 2011, Borders, la Galeria Pygmalion din Timișoara în 2012 și Re-wild, la Galleria MAG din Como, Italia, în 2016. A expus în proiecte de grup la Halele TIMCO, Timișoara, Atelier 030202, București, Muzeul de Artă din Cluj-Napoca, Galeria Delta din Arad și la târgurile de artă St-Art din Strasbourg, Franța, și Art Market Budapest. Galeria Estopia din București a găzduit expoziția ei personală, Dissection, în 2019. Dacă în ultimii 5 ani Réka s-a remarcat în zona artei figurative, cu o abordare inovativă, cu accente supra- și hiperrealiste, cu ecouri din pop art, artista experimentează în prezent la interferența cu arta abstractă.
 
Juhos Sándor s-a născut în 1974 la Cluj-Napoca, unde locuiește și lucrează.
În 2003 a absolvit secția Pictură a Universității de Artă și Design din Cluj-Napoca, iar în 2005 a obținut masteratul în aceeași specializare. În 2009 și-a susținut teza de doctorat cu titlul Reprezentarea figurii umane în spațiul virtual. 2008 este anul în care Sándor fixează retrospectiv trecerea de la statutul romantic de „artist flămând” la ceea ce avea să devină în ultimii 10 ani marca sa vizuală dominantă: natura statică, un gen care avea să-i contureze un profil cu totul special între artiștii generației sale. Și-a prezentat lucrările în expoziții personale, la Cluj, la Korunk Studio Gallery (Mixed Antimedia, 2011); Kaja Tanya (Paintings and Butterflies, 2014); Bazis Contemporary, Fabrica de Pensule (Death of Hummingbird, 2015), și Galeria Nano (Fragile Equations, 2015, și Act Anima (Galeria Nano / Centrul de Interes, împreună cu Andras Szabo, în 2017). În 2019 Galeria Estopia din București i-a găzduit expoziția personală Abundance.
 
Andrea Tivadar s-a născut în 1991 la Botiz, Satu-Mare, trăiește și lucrează la Cluj-Napoca.
A obținut licența și masteratul în pictură la Universitatea de Artă și Design din Cluj-Napoca, unde în prezent își definitivează doctoratul. A participat la numeroase expoziții de grup, între care The Existential Space of Virtuality, Galeria Deák Erika, Budapesta, Tra segno e colore, Accademia di Romania in Roma, Do It Yourself, Spațiul Cultural Gara Mică, Cluj-Napoca, în 2016; Noul locatar, Centrul de Interes, Cluj-Napoca, Breaking Rules, Muzeul de Artă din Cluj-Napoca, în 2017; Meanwhile in Painting, Budapest Galéria și Imaginea în pictură. Despre ieșirea în realitate, Galeria Quadro, Cluj-Napoca, în 2018. Galeria Estopia din București a prezentat în 2019 expoziția ei personală, Abstract Fluidity. Substituind abordarea figurativă cu o formă de „creație sintetică”, de abstractizare a realității, artista este convinsă că „arta este cea mai sinceră expresie a vieții reale”. Dar ceea ce vedem în lucrările ei nu e nici pe departe „realitatea” în sensul convențional: într-un joc fascinant de forme și volume, Andrea Tivadar restituie pe pânză mai degrabă o reinterpretare esențializată a realității imaginate sau inventate.
 
Edith Torony s-a născut în 1988 la Timișoara, unde locuiește și lucrează.
Este absolventă a secției de Pictură, Facultatea de Arte și Design, Universitatea de Vest din Timișoara, unde a obținut și diploma de masterat, în aceeași specializare, în 2012. Este membră a Uniunii Artiștilor Plastici, secția Pictură, filiala Timișoara, din 2011. Și-a prezentat lucrările în expoziții personale la galeriile Forma, Deva, 2019; Pygmalion, în 2018, Zid Gallery, în 2016, și Galeria Calpe, în 2014, la Timișoara. A participat la numeroase expoziții de grup, între care la Galeria Triade, Galeria Helios, Timișoara; Muzeul de Artă din Arad; Muzeul de Artă din Cluj-Napoca; Parlamentul European, Bruxelles; Galerie Marzia Frozen, Berlin etc. A obținut premiul I pentru Pictură la Bienala Internațională Meeting Point de la Arad în 2017. Galeria Estopia a găzduit expoziția ei personală, Hybrid Playground, în 2019. La limita între abstract și figurativ, lucrările lui Edith Torony ne invită  într-o călătorie în universul bizar al periferiei urbane, într-o recompunere alegorică a efectelor devastatoare ale invaziei junk și consumismului asupra spațiului nostru de locuit.

Foreseeing the Present
17 septembrie – 18 octombrie 2020
Vernisaj: joi, 17 septembrie, între orele 15.00 – 21.00
Artiști participanți: Marina Aristotel, Andrada Feșnic, Juhos Sándor, Sergiu Laslo, Madár Réka, Andrea Tivadar și Edith Torony
Curator: Irina Ungureanu

Contact:
Galeria Estopia, strada Bocșa nr. 5, sector 2, București
Program de vizitare: marți - sâmbătă, între orele 12.00 - 18.00
Duminică și luni: cu programare prealabilă
E-mail: office@estopiaartgallery.com
www.estopiaartgallery.com
Tel: +40 756 90 67 37

Un-hidden street art in Romania

Proiectul Un-hidden Bucharest / Romania, demarat de Save or Cancelx feeder.ro continuă să documenteze arta stradală locală și scena de graffiti pentru al patrulea an consecutiv. Ești invitat/ă să vizionezi acest nou videoclip care dezvăluie noi picturi murale și intervenții de artă stradală pe zidurile Bucureștiului.

Misteriosul București devine din ce în ce mai atractiv și mai interesant, cu fiecare nouă intervenție de artă expusă în spațiul public. Poți afla povești ascunse, încorporate de artiștii locali și internaționali în stencil-uri, picturi murale, invazii și intervenții pe care le fac în oraș. Astfel, spațiul urban se schimbă și evoluează constant, arătând noi dimensiuni locuitorilor și vizitatorilor, invitându-i să urmărească diversele forme și manifestări ale artei super contemporane.

Cu toții suntem martori/e ai unei revoluții în lumea artei. Cea mai vizualizată și admirată artă nu mai este expusă în muzee și galerii, ci mai degrabă pe străzi, unde oamenii pot interacționa cu opera de artă, să facă fotografii și să discute cu prietenii sau cu alți privitori.


 
Urmărește acest video uimitor și exploreazărecentele stencil-uri, picturi murale și intervenții de artă stradală în spațiul public realizat de ALEX BACIU, GEORGE VASILESCU, WANE, ERPS, CASSANDRA (UK), GABOR ÎN CIVIL, KITRĂ, ASINONO11 (IT), ORTAKU, MERIOONE (IT), KRIPS, MSERO, TYPE THURSDAY Bucharest, VKID, THEM, SICSR, MAID, CROP, WAR, AEUL, BROSKY, PISICA PĂTRATĂ, WEZO, MSERO, GORZO, PRUTY, IRLO, KERO, OCU, NOM Crew, WHYZ, BIEX, NEON, APS, WANE, BERER, 7CLICK, CES, SKENY, ROPER, CEIL, OHBOY, POER, SCORE21, JULAY, IRINA MOCANU, ANOTHER OUTSIDER, ROBERT OBERT, QUE NAIS, SUZANA DAN, MROK, ONE TRUTH (CH), EDS, KCBR (CH), LAUCHS, CLYSE, JAPE, AFS (DE), SION, ONR BFM, AITO KITAZAKI (JP).

Aici poți descoperi 45 de videouri realizate în timpul proiectului. Cartea Un-hidden Street Art in Romania este o publicație care prezintă o parte dintre  lucrările și artiștii independenți care se exprimă în spațiul public local. 

Video: Petre Ghiocel (VJ VLC) / © feeder.ro
Soundtrack: Djosh – Exact / ©Tzinah Records
Producție: © Save or Cancel (Cristina Popa și Andrei Racovițan)